Как называется шляпа художника: Как называется головной убор художника?

Содержание

Головной убор художника 5 букв

Ответы на сканворды и кроссворды

Берет

Головной убор художника 5 букв

НАЙТИ

Как называется шапка выпускника с кисточкой?

Просматривая молодёжные западные фильмы, мы часто можем видеть, что студенты, закончившие высшее учебное заведение, на вручении диплома одеты в чёрную мантию и интересную квадратную шапочку с кисточкой, которую часто бросают в небо. Откуда же появился этот головной убор и какое у него название? Есть ли какие-то традиции, связанные с этой шапочкой? Сейчас мы всё выясним.

Есть ли название у этой шапочки? Какое?

Названий у шапки выпускника несколько, всё зависит от того, в какой стране о ней говорят. Так, например, австралийские студенты именуют её траншейной или угловатой шапочкой. Англичане уверены, что появление её связано с Оксфордским университетом, точнее, они знают, что появилась шапка раньше, но именно оксфордские профессора предложили вернуть традицию ношения специального одеяния, состоящего из мантии, шарфа и специальной остроугольной квадратной шапочки с кисточкой.

Именно поэтому в Англии шапка носит одноимённое название университета, то есть оксфордская. Во Франции эта шапочка называется бонет, но, в переводе с французского языка так можно назвать любой головной убор, поэтому большинство европейцев не считают такое название подходящим.

В России за ней закрепилось название квадратная академическая шапка либо магистерская шапочка. Но, к сожалению, большинство российских высших учебных заведений не поддерживают традицию такой униформы у своих студентов.

Откуда она появилась?

Существует мнение, что квадратная академическая шапочка произошла от традиционного головного убора латинских священников, именуемого биреттой. Шапки имели красный, а иногда чёрный цвет и были обязательны для носки католическим духовенством. Красный колер в те времена был признан символом королевской власти, поэтому носить биретты такого цвета могли только знатные итальянцы.

Чёрные шапки предназначались для учёных и людей, посвятивших себя искусству. Влияние на академическую шапку оказали и мусульманские традиции. Выпускники медресе носили квадратную шапку. Такая форма была придумана для того, чтобы на ней можно было расположить Коран. Таким способом учёные показывали окружающим, что выучили все законы Корана и полностью овладели им.

Однако ещё одно мнение уводит нас в Польшу. С 1768 года польские военные носили четырёхугольную фуражку. У головного убора отсутствовал козырёк, а верхушку украшала кисточка. Назывался он конфедераткой. Такие престижные учебные заведения, как Кембридж и Оксфорд, происходят от церковных школ, по этой причине студенты должны быть облачены в одежду, напоминающую монашеское одеяние. Изначально, эта одежда носилась ежедневно, но вскоре обрела особое значение.

Четырёхгранная шапка стала знаком учёной степени и уровнем полученных знаний. То есть носить её могли лишь те студенты и преподаватели, которые имели особые заслуги перед университетом.

Какие бывают шапочки?

Изначально квадратная академическая шапка имела два цвета: красный и чёрный. Как мы уже говорили, алый головной убор предназначался для знатных господ и священников, а чёрный – для лиц, занимающих почётное место в обществе, но не имеющих никакого титула. Так, например, чёрные биретты носили врачи, профессоры, музыканты, скульпторы или художники. Сейчас тоже существует некая оттеночная классификация этих квадратных головных уборов, но более расширенная.

Конфедератки различаются по цветовой гамме в зависимости от области, которую осваивает студент:

белый цвет – история, искусство, литература;
серый – ветеринария;
синий – юриспруденция, философия, политика;
жёлтый – математика, физика;
яркий жёлтый оттенок – сельское хозяйство;
тёмно-зелёный цвет – иностранные языки;
светло-зелёный – фармацевтика;
красный – экономика; деловое администрирование, бизнес;
фиолетовый цвет – архитектура;
голубой оттенок – педагогика, теология;
розовый цвет – музыка;
оранжевый – военные наука, тактика;
коричневый – театральное искусство.

За изучаемую область мог отвечать не только определённый оттенок шапочки. Иногда всё облачение было выполнено в единой гамме. Но чаще шапочка и мантия шьются из чёрной ткани, а кисточка на конфедератке и шарф выполнены в том цвете, которому соответствует получаемое образование.

Немного о традициях, с ней связанных

Лишь с 1990-х годов квадратная академическая шапочка стала основным головным убором студентов, окончивших высшее учебное заведение. Причём, выдавали эту одежду лишь государственные вузы, в частных школах этой практики никогда не было. На каждой шапке внутри было вышито имя хозяина. А связано это с одной интересной традицией.

После получения диплома о высшем образовании, студенты собирались перед университетом и одновременно подкидывали свои шапочки вверх, таким образом, отдавая дань школе за полученные знания. После этого, каждый мог найти свой головной убор по вышитой на нём фамилии.

Значение имеет не только шапка, но и кисточка, которая её украшает. Ведь расположена она там не просто так. Кисточка имеет необычное название лирипип. Студенты должны носить её справа конфедератки, а те, кто уже сдал все экзамены и дожидается получения диплома – с левой стороны. Иногда справа налево лирипип перекидывается именно на вручении диплома. В некоторых учебных заведениях у студентов отличников кисточки не чёрного, а красного или золотого цвета, кроме того, они длиннее на 10–12 см, чем стандартный лирипип.

Понравилась статья? Поделиться с друзьями:

15 деталей с картин фламандских художников • Arzamas

Откуда за спиной распятого Христа маленький мусульманский полумесяц? Что делает журавль на подъемном кране? И почему книгу в церкви держат за решеткой?

Всем, кто подолгу рассматривал картины фламандских мастеров Северного Возрождения Северное Возрождение — эпоха, охватывающая тот же период, что и итальянское Возрождение (примерно с XV века по последнюю четверть XVI века), но за пределами Италии. Искусство Северного Возрождения в первую очередь представлено фламандо-голландской и немецкой живописью. В Нидерландах и Фландрии это, прежде всего, такие мастера, как Ян ван Эйк, Робер Кампен, Ханс Мемлинг, Рогир ван дер Вейден, Петрус Кристус, Герард Давид и множество менее известных., знакомо чувство, когда вдруг обнаруживаешь где-нибудь в углу изображения совершенно неожиданную деталь. Это может быть предмет, человек, животное или даже целая сценка. Часто такие детали почти невозможно заметить сразу: по замыслу художников, радость находки должна была усилить удовольствие от созерцания картины. А иногда детали хорошо заметны, но их скрытый символизм непонятен современному зрителю. Мы выбрали 15 деталей с картин из фламандских и брюссельских коллекций, к которым стоит присмотреться повнимательнее.

Оглавление

1. Нога Икара

Круг Питера Брейгеля Старшего. Падение Икара. Конец XVI века 73,5 × 112 см © Royal Museums of Fine Arts of Belgium, Brussels (Королевские музеи изящных искусств, Брюссель) / photo: J. Geleyns — Art Photography

«Падение Икара» Питера Брейгеля Старшего Долгое время считалось, что эта картина была написана самим Питером Брейгелем Старшим, но исследования, проводившиеся с начала 1990-х годов, показали, что это очень хорошая, но все же копия, написанная вскоре после смерти мастера. Во времена Брейгеля практика копирования картин была чрезвычайно распространена. В Брюсселе хранится и другая копия «Падения Икара» — в Музее ван Бюренов. Оригинал картины утерян. отсылает к известному сюжету древнегреческой мифологии. Улетая вместе со своим отцом Дедалом с Крита, Икар слишком высоко поднялся к солнцу, и оно растопило воск, которым были скреплены самодельные крылья. Мальчик упал в воду и погиб.

Если вам еще не удалось отыскать на картине Икара, присмотритесь к морю возле корабля справа: из воды торчат ноги тонущего мальчика Художник Дмитрий Шагин из творческой группы «Митьки» описал этот фрагмент в поэме из трех строк «Бедный Икарушка»: «У Икарушки бедного / Только бледные ножки торчат / Из холодной зеленой воды»..

© Royal Museums of Fine Arts of Belgium, Brussels (Королевские музеи изящных искусств, Брюссель) / photo: J. Geleyns — Art Photography

Главными героями кажутся пахарь и пастух. Брейгель взял их из текста «Метаморфоз» Овидия, но если у поэта они с изумлением следят за полетом Дедала и Икара «Каждый, увидевший их, рыбак ли с дрожащей удою, / Или с дубиной пастух, иль пахарь, на луг приналегший, — / Все столбенели и их, проносящихся вольно по небу, / За неземных принимали богов»., то у художника пахарь и рыбак (в правом нижнем углу картины) занимаются собственными делами, не обращая внимания ни на что вокруг, а в небо смотрит только пастух. Правда, Дедала не видно, так что еще неизвестно, что именно привлекло его внимание.

Другие детали: куропатка и мертвец © Royal Museums of Fine Arts of Belgium, Brussels (Королевские музеи изящных искусств, Брюссель) / photo: J. Geleyns — Art Photography

На ветке возле рыбака сидит куропатка. Она тоже есть у Овидия: в «Метаморфозах» куропатка видит, как Дедал хоронит останки сына, и квохчет от радости. На самом деле это племянник Дедала и его бывший ученик Талос. Учитель позавидовал таланту Талоса и сбросил его с афинского Акрополя, но богиня Афина превратила падающего юношу в птицу.

Еще одна любопытная деталь на этой картине — человек в кустах на краю вспаханного поля. Изначально там был испражняющийся человечек, частый гость на полотнах нидерландских мастеров, и его до сих пор можно разглядеть в инфракрасном излучении, но в окончательном варианте художник нарисовал лежащего на спине человека. Полагают, что это отсылка к пословице «Плуг не останавливается из-за мертвеца» (смерть одного человека не может прекратить обычного течения жизни), и это тоже своего рода комментарий к падению Икара.

2. Крестьяне покупают сувениры

Питер Брейгель Младший. Кермесса Кермесса — деревенская ярмарка в честь церковного праздника. с театральным представлением и процессией. Первая половина XVII века 161 × 290 см © KIK-IRPA, Brussels (Частное собрание ING Bank Belgium, Брюссель)

Эта картина целиком состоит из мелких деталей, и можно провести полдня, разглядывая и изумляясь им. Собственно, в этом и заключалась задумка автора: сделать картину привлекательной и развлекательной для заказчика. Картины из быта крестьян первым стал писать Питер Брейгель Старший. Конечно, и до того крестьяне изображались художниками, но никогда раньше они не были главными героями — только забавными персонажами на полях или фигурками, иллюстрирующими труды разных месяцев в календарях. Для современников отца и сыновей Брейгелей эти работы были прежде всего юмористическими. Быт и нравы крестьян вызывали смех своей простотой и грубостью — подобные картины покупали очень зажиточные буржуа или аристократы, находившие, очевидно, удовольствие в рассматривании деталей столь далекого для них образа жизни и сравнивавшие свою утонченность и деликатность манер и одежд с вульгарными занятиями обычных людей.

© KIK-IRPA, Brussels (Частное собрание ING Bank Belgium, Брюссель)

За театральной сценой, у церковной ограды, устроены ларьки для продажи сувениров, перед которыми толпятся крестьяне. Разложенных товаров не разглядеть, однако по другим подобным картинам мы знаем, что в таких ларьках продавались как религиозные сувениры (значки с изображениями святых, четки, благочестивые картинки), так и детские игрушки (деревянные лошадки, рожки, маленькие ветряные мельницы).

© KIK-IRPA, Brussels (Частное собрание ING Bank Belgium, Брюссель)

Видны только игрушечные арбалеты и барабаны, которые подняты над навесом ларьков. Среди взрослых покупателей затесался и ребенок, который с криком тянет руку к понравившейся ему игрушке.

Другие детали: праздничная процессия и арбалетчики © KIK-IRPA, Brussels (Частное собрание ING Bank Belgium, Брюссель)

Процессию, идущую с правой стороны в центр картины, возглавляют крестьяне с оружием — видимо, это члены корпорации арбалетчиков, своеобразного отряда самообороны. Такие существовали на территории Фландрии уже с конца XIII века, и на знаменитом «Ночном дозоре» Рембрандта изображены члены такой корпорации в Амстердаме. За ними несут фигуры святого Губерта

Святой Губерт (ок. 656 — 727) — бельгийский католический святой. Самая известная сцена из его жития рассказывает о встрече Губерта на охоте с оленем, между рогами которого светился крест. Из-за этого в иконографии его чаще всего изображают рядом с оленем с распятием или крестом, а сам святой считается покровителем охотников. и святого Антония Святой Антоний (ок. 251–356) — христианский святой. Считается, что он был первым человеком, осознанно отгородившимся от светского мира и ушедшим жить в пустыню. Из-за этого его называют отцом отшельнического монашества. и хоругви; в конце идут клирики и читают молитвы. На процессию смотрят из окна дома, украшенного благочестивым изображением Девы Марии. Однако мы легко можем увидеть, что основная масса крестьян не слишком благочестива: на разыгрывающуюся на сцене комедию смотрит гораздо больше народу, чем на процессию, а перед сувенирами стоит больше людей, чем перед храмом.

Тест: отличите Брейгеля Старшего от Младшего

Проверьте, есть ли у вас визуальная интуиция — или насмотренный глаз искусствоведа!

3. Листок с изображением святого Христофора

Предположительно, Робер Кампен. Благовещение. Около 1415–1425 годов 63,7 × 61 см © Royal Museums of Fine Arts of Belgium, Brussels (Королевские музеи изящных искусств, Брюссель) / photo: J. Geleyns — Art Photography

Благовещение изображено в интерьере, характерном для зажиточных бюргеров начала XV века — Кампен изобразил дом, в котором могли жить его современники.

© Royal Museums of Fine Arts of Belgium, Brussels (Королевские музеи изящных искусств, Брюссель) / photo: J. Geleyns — Art Photography

Над камином висит потрепанный печатный листок, прилепленный кусочками воска (еще одна деталь — один уголок отклеился), с изображением святого Христофора. Обычай украшать дома изображениями Христа, Богоматери и святых был широко распространен в те времена. Но здесь есть еще и символизм, хорошо понятный современникам художника: святой Христофор несет на плечах Традиция изображать святого Христофора с младенцем Христом на плечах восходит к «Золотой легенде» — очень популярному в Средневековье собранию житий святых, написанному Иаковом Ворагинским около 1260 года. Иаков приводит такой сюжет: однажды Христофор, работавший переправщиком у бурной реки, стал переносить через реку ребенка и неожиданно ощутил такую тяжесть, будто он несет на своих плечах весь мир. Добравшись до противоположного берега, младенец сказал: «Ты не только мир перенес на своих плечах, но и того, кто создал весь мир». младенца Иисуса, как Дева Мария после получения от архангела благой вести понесет младенца Иисуса в своей утробе. Именно из-за этой ассоциации святому Христофору молились женщины, у которых часто случались выкидыши.

Другие детали: черный мешочек © Royal Museums of Fine Arts of Belgium, Brussels (Королевские музеи изящных искусств, Брюссель) / photo: J. Geleyns — Art Photography

Возле ног Девы Марии лежит мешочек, и может показаться, что это просто сумка, в которой могли носить что угодно. Но по другим изображениям XV века известно, что в таких мешочках хранили особые католические четки, розарий. Эта и прочие детали — например, сразу две книги с Писанием — подчеркивают благочестивость Девы Марии. В более ранних изображениях Благовещения Богородицу показывали за работой или на троне, как уже возвышенную избранницу Бога, но в XV веке широко распространился тип Мадонны Смирения: в комнате есть скамейка с подушкой, но Дева Мария сидит на полу.

игра!

К кому пойти лечиться

Игроку предлагается вылечить двух больных, выбрав подходящих, с точки зрения византийцев, святых

4. Игрушечная колыбель

Мастер легенды святой Луции Мастер легенды святой Луции — неизвестный фламандский художник конца XV — начала XVI века. Псевдоним дан по алтарю со сценами из жизни святой Луции, сделанному для церкви Святого Иакова в Брюгге.. Дева среди дев. Конец XV века 108 × 171 см © Royal Museums of Fine Arts of Belgium, Brussels (Королевские музеи изящных искусств, Брюссель) / photo: J. Geleyns — Art Photography

Сюжет «Дева среди дев» часто изображался в северноевропейской живописи XV–XVI веков. Обычно это Дева Мария с младенцем в окружении святых-девственниц, как правило мучениц, в цветущем саду. Чтобы отличить одну святую от другой, художники наделяли их атрибутами.

© Royal Museums of Fine Arts of Belgium, Brussels (Королевские музеи изящных искусств, Брюссель) / photo: J. Geleyns — Art Photography

У некоторых святых есть только им присущие атрибуты, и их невозможно ни с кем спутать, но у других они могут совпадать, и иногда это превращается в проблему для исследователей. Святую со стрелой и колыбелью можно принять за святую Урсулу, ведь она была убита стрелой гунна. Но колыбель позволяет предположить, что это святая Христина. Согласно ее житию, орудием одной из пыток, которой мучители подвергли святую деву, была раскаленная железная колыбель, наполненная кипящим маслом. Ни эта, ни многие другие казни не погубили ее, и палачам удалось убить ее только с помощью стрел, поэтому у святой Христины два атрибута. Рядом сидит святая Агата, которая держит в щипцах грудь: атрибут напоминает о пытках, которые ей пришлось перенести за свою веру.

Другие детали: стрела и узор из атрибутов © Royal Museums of Fine Arts of Belgium, Brussels (Королевские музеи изящных искусств, Брюссель) / photo: J. Geleyns — Art Photography

Святая Урсула здесь тоже есть. Если внимательно приглядеться к читающей девушке слева, то под подолом ее платья можно заметить стрелу.

© Royal Museums of Fine Arts of Belgium, Brussels (Королевские музеи изящных искусств, Брюссель) / photo: J. Geleyns — Art Photography

Справа и слева возле Богоматери стоят святые Варвара и Екатерина: их атрибуты — башню и колесо — художник вписал в узор одеяний.

5. Витраж в глубине церкви

Петрус Кристус. Благовещение и поклонение Младенцу. 1452 год 109 × 85,5 см © Musea Brugge (Музей Грунинге, Брюгге), www.artinflanders.be, photo: Hugo Maertens

Две парные панели работы Петруса Кристуса изображают Благовещение и поклонение Младенцу. Благодаря присутствующим в пространстве картин рельефам и витражам два главных события священной истории существуют в контексте: мы видим, что им предшествовало и что произошло после.

© Musea Brugge (Музей Грунинге, Брюгге), www.artinflanders.be, photo: Hugo Maertens

Дева Мария принимает благую весть в помещении церкви, откуда открывается вид на идиллический уголок Брюгге с каналом и павлинами. В глубине храма, под потолком, можно заметить изображение коронования Богоматери Коронование Богоматери — популярный сюжет в европейском средневековом искусстве. Согласно католическому учению, после смерти Дева Мария была телесно вознесена на небо. В Средние века появилось представление о том, что после Вознесения Богоматерь была коронована Богом Отцом и Святым Духом как Царица Небесная. Этот сюжет не встречается в Священном Писании: он стал популярным благодаря «Золотой легенде» — собранию житий святых, написанному Иаковом Ворагинским около 1260 года.. Это событие из далекого будущего: коронование произошло после того, как Дева Мария родила Иисуса, прожила длинную жизнь и была взята на небо после смерти.

Другие детали: сцены из жития Богородицы и библейские сюжеты © Musea Brugge (Музей Грунинге, Брюгге), www.artinflanders.be, photo: Hugo Maertens

Вход в церковь предваряет арка, по обеим сторонам которой стоят статуи двух пророков, предрекших явление Девы Марии, а выше, полукругом, слева направо, четыре ключевые события из жизни Богородицы: благовестие о ее рождении будущему отцу девочки Иоакиму, встреча родителей Марии у Золотых ворот в Иерусалиме, Рождество Богородицы и Введение во храм, где она воспитывалась до замужества.

© Musea Brugge (Музей Грунинге, Брюгге), www.artinflanders.be, photo: Hugo Maertens

Такая же арка предваряет и изображение поклонения младенцу Христу на соседней панели. На этот раз мы видим согрешивших Адама и Еву, их изгнание из рая (ангел с мечом, замахивающийся на Адама), жертвоприношения Каина и Авеля и убийство Каином Авеля. Послушание Девы Марии и воплощение Иисуса искупили первородный грех Адама и Евы; именно они могут привести отягощенное грехами человечество к спасению.

6. Подъемный кран

Питер Пурбюс. Портрет Яна ван Эйеверве. 1551 год 71 х 97,7 см © Musea Brugge (Музей Грунинге, Брюгге), www.artinflanders.be, photo: Hugo Maertens

Портрет преуспевающего торговца вином из Брюгге Яна ван Эйеверве составляет пару к портрету его жены Жакмин. Оба портрета были написаны по случаю недавней свадьбы. Над головой торговца ангел держит его герб, сверху написан возраст изображенного: 29 лет. Пурбус не стремился подчеркнуть богатство интерьера — его больше интересовал вид из окна дома купца, и именно там располагается самая интересная деталь картины — подъемный кран.

© Musea Brugge (Музей Грунинге, Брюгге), www.artinflanders.be, photo: Hugo Maertens

Окна дома ван Эйеверве выходили прямо на Kraanplein, то есть на «площадь Крана» — так она называется и до сих пор. На этой площади находился огромный подъемный кран, с помощью которого выгружали товары с судов, приплывавших по каналам с моря. Еще одна маленькая шутливая деталь: на кране (kraan) стоит журавль (тоже kraan на нидерландском).

Благосостояние Брюгге зиждилось на торговле, и неудивительно, что Ян ван Эйеверве изображен на фоне своеобразного символа города. Тот же самый кран изобразил Ханс Мемлинг на своем знаменитом алтаре Иоанна Крестителя и Иоанна Богослова.

Ханс Мемлинг. Алтарь Иоанна Крестителя и Иоанна Богослова. Центральная панель. Госпиталь святого Иоанна, Брюгге, Бельгия. 1485–1490 годы© Musea Brugge (Госпиталь святого Иоанна, Брюгге), www.artinflanders.be, photo: Hugo Maertens

К тому моменту, когда Пурбус писал портрет ван Эйеверве, Брюгге уже начал терять свое значение в качестве торгового центра Фландрии и постепенно уступил первенство Антверпену.

7. Симпатичный демон

Ханс Мемлинг. Триптих семьи Морел. 1484 год 291 × 121,1 см © Musea Brugge (Музей Грунинге, Брюгге), www.artinflanders.be, photo: Hugo Maertens

Этот триптих был заказан одним из самых знатных и богатых семейств Брюгге — Морел — для часовни в церкви Святого Иакова, места их будущего захоронения. На центральной части триптиха — святые Христофор, Мавр и Эгидий, на боковых — донаторы. Слева — мужская часть семьи Морел под покровительством святого Вильгельма Малевальского, справа — женская под покровительством святой Варвары. Эти святые выбраны, потому что супружескую пару заказчиков зовут Виллем и Барбара.

© Musea Brugge (Музей Грунинге, Брюгге), www.artinflanders.be, photo: Hugo Maertens

За спиной у Виллема, в складках плаща святого Вильгельма Малевальского, спрятался маленький черный демон. У него красные глаза и полуоткрытая пасть, но в целом он производит впечатление неопасного зверька, попавшего в непривычную обстановку.

На самом деле это не демон, а дракон, которого святой Вильгельм когда-то изгнал из долины Малеваль (то есть «Долины зла») в Тоскане. Сам святой поселился в освободившейся пещере, чтобы вести отшельнический образ жизни. Дракон стал его атрибутом.

Другие детали: надпись на венке и олень © Musea Brugge (Музей Грунинге, Брюгге), www.artinflanders.be, photo: Hugo Maertens

У одной из девочек на ободке написано имя — Мария.

© Musea Brugge (Музей Грунинге, Брюгге), www.artinflanders.be, photo: Hugo Maertens

Олень (на нидерландском — hert), атрибут святого Эгидия Святой Эгидий был отшельником и много лет провел в одиночестве в лесу, а единственным его компаньоном, согласно легенде, была олениха. Святой был убит стрелой королевского охотника, которая предназначалась животному., ассоциируется с фамилией жены Морела, Хертсвелде.

8. Странные фигурки под потолком

Мастер легенды святой Урсулы Мастер легенды святой Урсулы — неизвестный фламандский художник XV века.. Легенда святой Урсулы. 1482 год 120 × 155,5 см © Musea Brugge (Музей Грунинге, Брюгге), www.artinflanders.be, photo: Dominique Provost

Этот алтарь-полиптих посвящен истории святой Урсулы, убитой гуннами вместе с 11 тысячами дев по возвращении в Кёльн из паломничества. Верхняя средняя панель, изображавшая, вероятно, святую Урсулу — защитницу верующих, утеряна. Остались изображения церкви и синагоги (верхний ряд) и панели, посвященные житию святой Урсулы.

© Musea Brugge (Музей Грунинге, Брюгге), www.artinflanders.be, photo: Dominique Provost

Последняя панель, крайняя справа в нижнем ряду, показывает собравшихся у гробницы святой Урсулы верующих, принадлежащих к разным слоям общества. Легко пропустить одну интересную и значимую деталь — над свечницей, под самым потолком, висят странные предметы: человечки, коленопреклоненные фигурки, два корабля, две руки, нога, круглый предмет (возможно, грудь или глаз). Рядом с ними — длинные щипцы, чтобы было удобнее снимать их или вешать новые.

© Musea Brugge (Музей Грунинге, Брюгге), www.artinflanders.be, photo: Dominique Provost

Это вотивы — предметы, приносимые в дар Богу или святым по обету после исцеления или спасения. Вотивы могли выполняться из самых разных материалов — те, что изобразил мастер из Брюгге, кажется, слеплены из воска. Части тела подносились в благодарность за исцеление, корабли, очевидно, появились после спасения от бури на море по молитвам святой Урсулы, а целые человечки могли символизировать или самих молящихся, или тех, за кого они приносили молитвы. Вотивы, в той или иной форме, до сих пор распространены среди католиков и православных, а на алтаре, посвященном жизни Урсулы, мы видим одно из первых их появлений в изобразительном искусстве.

Видеоэкскурсия по госпиталю Святого Иоанна в Брюгге

Иоанн Богослов и Иоанн Креститель, всадники апокалипсиса и трагическая история святой Урсулы

9. Распятый Христос на фоне исламского полумесяца

Ян Провост. Распятие. Около 1501–1505 годов 117 × 172,5 см © Musea Brugge (Музей Грунинге, Брюгге), www.artinflanders.be, photo: Hugo Maertens

Если присмотреться к пейзажу на заднем плане, можно увидеть, что, в отличие от большинства других образов того времени, где Иерусалим представлен в виде фантастического или нидерландского города, здесь он имеет больше сходства с настоящим. Узнаваем «Купол скалы» «Купол скалы» — древнейшее мусульманское святилище из сохранившихся до наших дней. Построен в Иерусалиме в VII веке на Храмовой горе, священном месте как для иудеев, так и для мусульман. на заднем плане, увенчанный полумесяцем, — по всей видимости, это первое изображение знаменитого святилища европейским художником.

© Musea Brugge (Музей Грунинге, Брюгге), www.artinflanders.be, photo: Hugo Maertens

Художник Ян Провост видел Иерусалим своими глазами — во всяком случае, такой вывод можно сделать из записи о его приеме в 1523 году в члены братства иерусалимских пилигримов. Как показал в 2005 году искусствовед Рон Спронк, «Распятие» Провоста когда-то было частью триптиха, стоявшего на алтаре в Иерусалимской часовне в Брюгге. Ее построили около 1430 года, после путешествия купцов Питера и Якоба Адорнесов в Иерусалим; с маленькой площади перед ней жители Брюгге начинали свое паломничество на Святую землю.

10. Шумовка в руке Марфы

Неизвестный мастер. Христос в доме Марфы и Марии. XVI век 115 × 134 см © Musea Brugge (Госпиталь Святого Иоанна, Брюгге), www.artinflanders.be, photo: Hugo Maertens

Это произведение иллюстрирует евангельский эпизод о Марфе и Марии «…Пришел Он в одно селение; здесь женщина, именем Марфа, приняла Его в дом свой; у нее была сестра, именем Мария, которая села у ног Иисуса и слушала слово Его. Марфа же заботилась о большом угощении и, подойдя, сказала: Господи! или Тебе нужды нет, что сестра моя одну меня оставила служить? скажи ей, чтобы помогла мне. Иисус же сказал ей в ответ: Марфа! Марфа! ты заботишься и суетишься о многом, а одно только нужно; Мария же избрала благую часть, которая не отнимется у нее». (Лк. 10:38–42). Неизвестный фламандский художник очень детально показал дом и кухню Марфы, на которой уже суетятся несколько женщин (возможно, это своего рода групповой портрет сестер госпиталя Святого Иоанна).

© Musea Brugge (Госпиталь Святого Иоанна, Брюгге), www.artinflanders.be, photo: Hugo Maertens

У самой Марфы, стоящей в переднике перед Иисусом и Марией, в руках шумовка. Это не просто бытовая деталь. Прежде всего, в XV–XVI веках в Северной Европе именно шумовка была одним из символов поваров: они изображались с нею как в юмористических сценах на мизерикордах Мизерикорды, или мизерокордия, — небольшая полка на обратной стороне откидной скамьи в католической церкви. На эту полку можно было опереться во время долгой молитвы. Мизерикорды украшались деревянной резьбой, чаще всего сценами из повседневной жизни. Другое значение этого слова — короткий рыцарский кинжал, который использовали, чтобы добить поверженного противника и избавить его от страданий. или маргиналиях Маргиналии — записи, заметки или рисунки на полях средневековых книг или рукописей., так и на надгробиях. Но атрибутом Марфы она стала не только из-за того, что та, в отличие от Марии, во время визита Иисуса суетилась по хозяйству и занималась готовкой. Дело в том, что таким же популярным, как и евангельский, был эпизод из дальнейшей жизни этой святой: по легенде, после смерти Христа она оказалась в Южной Франции, где помогла справиться с драконом Тараском От имени дракона Тараска образовано название Тараскона, коммуны на юго-востоке Франции, в Провансе.. Для победы над чудовищем Марфе понадобились всего лишь ведерко со святой водой и кропило. По аналогии с Марфой, победительницей дракона, несущей ведерко и кропило, стали изображать и Марфу-кухарку — с котелком для готовки и шумовкой.

видео!

Как читать скрытые смыслы и подтексты в живописи

Лекция старшего научного сотрудника Государственного Эрмитажа, хранителя рисунков старых мастеров Алексея Ларионова

11. Брюгге вместо Вифлеема

Ханс Мемлинг. Триптих Яна Флоренса. 1479 год 46,3 × 57,4 см (центральная панель) © Musea Brugge (Госпиталь Святого Иоанна, Брюгге), www.artinflanders.be, photo: Hugo Maertens

На этом небольшом алтарном образе Мемлинг изобразил Рождество Христово, поклонение волхвов и Сретение. На центральной панели — волхвы, пришедшие в полуразрушенный хлев, где нашли приют Дева Мария и Иосиф. Двое из них стоят на коленях с дарами, третий — король Эфиопии Бальтазар — входит в хлев, снимая шляпу.

© Musea Brugge (Госпиталь Святого Иоанна, Брюгге), www.artinflanders.be, photo: Hugo Maertens

За Девой Марией, принимая дары, стоит святой Иосиф. Справа в окно заглядывает то ли один из пастухов, которым благовествовали ангелы, то ли слуга волхвов (некоторые думают, что это автопортрет художника).

© Musea Brugge (Госпиталь Святого Иоанна, Брюгге), www.artinflanders.be, photo: Hugo Maertens

Слева в черном с Евангелием — заказчик алтаря Ян Флоренс, член монашеского братства госпиталя Святого Иоанна. За ним стоит юноша в светской одежде, возможно его родственник или слуга. На одном из кирпичей рядом с головой Флоренса мы видим число 36 — это возраст донатора на момент написания алтаря.

© Musea Brugge (Госпиталь Святого Иоанна, Брюгге), www.artinflanders.be, photo: Hugo Maertens

Деталь, которая часто ускользает от внимания зрителя, — пейзаж в глубине. Следуя за лучами нимба, расходящимися от головы Девы Марии, мы видим городские ворота и дорогу, уводящую от предместья к хлеву. По дороге едет свита волхвов, первым на верблюде продвигается чернокожий всадник в белом одеянии и тюрбане. За ним скачут другие. Мемлинг изображает Вифлеем крайне похожим на Брюгге и его укрепления. Такой анахронизм (постоянный прием у ранних нидерландцев) должен был помочь зрителю переместиться из родного города в евангельскую историю максимально плавно. Позднесредневековое благочестие уделяло огромное внимание тому, чтобы верующие во всех деталях представляли себе важнейшие моменты из жизни Спасителя и переживали их вместе с ним и Девой Марией.

12. Портрет Ирода на бутыли с вином

Квентин Массейс. Алтарь гильдии столяров. 1511 год 260 × 503 см © Royal Museum of Fine Arts Antwerp (Королевский музей изящных искусств, Антверпен), www.artinflanders.be, photo: Hugo Maertens

Этот алтарь был выполнен художником для антверпенских ремесленников: гильдии часто заказывали алтари или витражи, чтобы затем украшать ими свои часовни в соборе или в городской церкви, которую они посещали. На главной панели в пейзаже горько оплакивают мертвого Иисуса, справа Иоанн Богослов стойко противостоит мучениям, а слева мы видим на переднем плане Саломею, принимающую от царя Ирода отрубленную голову Иоанна Крестителя (сцена самой казни еле различима в глубине панели). Выбор святых далеко не случаен — оба Иоанна считались покровителями столяров.

© Royal Museum of Fine Arts Antwerp (Королевский музей изящных искусств, Антверпен), www.artinflanders.be, photo: Hugo Maertens

Сцена с Саломеей и царем Иродом происходит посреди настоящего придворного праздника, как он мог выглядеть в эпоху создания алтаря. В углу зала на подставке стоит отполированное металлическое ведро, в котором охлаждаются бутыли с вином. Кольцо для его переноски украшено ощерившейся мордой льва, само оно покоится на четырех львах — эти отсылки к античному искусству свидетельствуют об ориентации Ирода на языческую культуру Рима, его неправедности, богатстве и самомнении. Если присмотреться, на бутылях можно заметить клейма с профилем царя — такой же портрет висит на стене за ним.

© Royal Museum of Fine Arts Antwerp (Королевский музей изящных искусств, Антверпен), www.artinflanders.be, photo: Hugo Maertens

Массейс изображает Ирода как богатого и могущественного аристократа XVI века, уделяющего гораздо больше внимания блеску своего двора, чем выполнению заповедей.

13. Иосиф мастерит пеленку из чулка

Неизвестный мастер. Рождество Христово. Около 1390–1400 годов 26,2 × 37,6 см © Museum Mayer van den Bergh Antwerp (Музей Майера ван ден Берга, Антверпен), photo: Michel Wuyts, Louis De Peuter

На этой маленькой панели изображена Дева Мария, только что родившая Иисуса. Младенец в руках у повитухи, которая кладет его в наполненные сеном ясли.

© Museum Mayer van den Bergh Antwerp (Музей Майера ван ден Берга, Антверпен), photo: Michel Wuyts, Louis De Peuter

Догадаться, чем занят Иосиф, довольно сложно. Он снял чулок с одной ноги (ботинок трогательно стоит рядом с ложем Богородицы) и разрывает его на части, чтобы сделать малышу пеленки. Эта легенда была чрезвычайно популярна в Северной Европе в эпоху позднего Средневековья. Иосифа одновременно почитали за его необыкновенно вовлеченное для того времени отцовство и презирали (вплоть до шуток о том, что он был подкаблучником) за то, что он занимался делами, традиционно считавшимися женскими: на других произведениях того же времени мы можем видеть, как он готовит или сушит пеленки.

14. Книжка за решеткой

Рогир ван дер Вейден. Алтарь семи таинств. 1445–1450 годы 200 × 97 см (центральная панель) © Royal Museum of Fine Arts Antwerp (Королевский музей изящных искусств, Антверпен), www.artinflanders.be, photo: Hugo Maertens

Заказ на эту работу Рогир ван дер Вейден, городской художник Брюсселя, получил около 1450 года. Крещение, миропомазание, покаяние, евхаристия, венчание, елеосвящение, священство — все семь таинств расположены внутри высокой готической церкви, вокруг натуралистически изображенного огромного Распятия, под которым оплакивают Христа Дева Мария, Мария Магдалина, Иоанн Богослов и другие. Глаз зрителя перемещается от одного таинства к другому, то и дело останавливаясь на Распятии, без которого никакие таинства не возникли бы и не имели бы смысла.

© Royal Museum of Fine Arts Antwerp (Королевский музей изящных искусств, Антверпен), www.artinflanders.be, photo: Hugo Maertens

В глубине бокового нефа храма, на центральной панели, мужчина в зеленом дублете и красном капюшоне перелистывает книгу, помещенную за решеткой. Сегодня, как и раньше, в католических храмах лежат молитвословы, по которым можно следить за ходом мессы и чтением евангельских отрывков. Однако если сейчас такие книги лежат свободно и священники полагаются на честность приходящих в храм, то в Средние века манускрипты были слишком ценны, чтобы оставлять их в открытом доступе. Есть свидетельства, что уже с XIII века в церквях за решеткой располагали псалтыри и бревиарии Бревиарий — сборник католических богослужебных текстов. так, чтобы их можно было листать, но нельзя было забрать с собой.

© Royal Museum of Fine Arts Antwerp (Королевский музей изящных искусств, Антверпен), www.artinflanders.be, photo: Hugo Maertens

Богатые люди, у которых были собственные бревиарии (как та женщина, что стоит позади аналоя с запертой книгой), иногда завещали их на благо нуждающихся с просьбой молиться о благодетеле.

15. Битая плитка

Колин де Котер. Поклонение волхвов. Около 1500 года 88,4 × 72,5 см © MSK Gent (Музей изящных искусств, Гент), www.artinflanders.be, photo: Hugo Maertens

Многие художники XV–XVI веков изображали хлев, в котором родился Иисус, в виде полуразрушенного монументального сооружения. Это связано с тем, что, по преданию, хлев стоял на том же самом месте, где когда-то находился дворец царя Давида. Один из приемов, с помощью которых Колин де Котер добивается такого сочетания монументальности и ветхости, сразу бросается в глаза: это богато расшитая ткань, которую два ангела держат за сидящей Богородицей. В сочетании с небольшим возвышением, на котором она сидит, ткань кажется спинкой царского трона.

© MSK Gent (Музей изящных искусств, Гент), www.artinflanders.be, photo: Hugo Maertens

Пол под ногами Богоматери и волхвов вымощен плиткой. Нарядная или простая плитка часто встречается на картинах фламандских мастеров XV века, однако никто до Клотера не додумался изобразить ее битой. Такой прием позволяет художнику еще раз подчеркнуть двойственность пространства: возвысить хлев до дворца (хотя бы в прошлом!) и в то же время напомнить зрителям о том, что человечество находилось в падшем состоянии до прихода Спасителя и именно он своим воплощением и искуплением греха начал возвращение мира к задуманному Богом совершенству.

Фламандская живопись в 6 вопросах

Как нидерландские художники XV века изменили представление о живописи и как определить, что имел в виду автор

Материал подготовлен вместе с Офисом по туризму Фландрии VISITFLANDERS в рамках программы «The Flemish Masters Museum Tour. Your personal preview for the real thing / Шедевры Фламандских мастеров: видеоэкскурсии. Подготовьтесь к встрече с музеем»

Мультфильмы про искусство • Arzamas

Пикассо среди своих картин, медведи против Шишкина, трибьют Поллоку и другие анимационные сюжеты, которые помогут понять изобразительное искусство

Одна из лучших вещей, которую можно сделать, чтобы научить детей понимать искусство, — это играть с ним, показывать, что оно не застывшее и мертвое, что в нем можно находить смешные детали и интересные секреты, что оно может двигаться, что с ним можно хулиганить и добавлять свое даже к работе великих художников. Со всеми этими задачами отлично справляется анимация.

«Мона Лиза, спускающаяся по лестнице» («Mona Lisa Descending a Staircase»)

Режиссер Джоан К. Грац. США, 1992

Лента американского режиссера Джоан Грац, получившая в 1992 году «Оскар», — один из самых знаменитых анимационных фильмов, оживляющих живопись. Грац заново рисовала великие картины не краской, а пластилином. Не используя компьютера, она выразительно показала, как одно произведение превращается в другое, и тем самым многое объяснила про связь искусства разных эпох и направлений.

«Довольно!» («None of That»)

Режиссеры Анна Хиндс Пэддок, Изабелла Литтгер де Пиньо, Крити Каур. США, 2015

В нарративных фильмах самый распространенный, уже ставший традиционным сюжет — «ночь в музее» с оживлением картин и скульптур. Чаще всего это смешно. Компьютерный 3D-фильм «Довольно!», снятый американскими студентками, поворачивает сюжет про обнаженную скульптуру в очень актуальную плоскость «оскорбления чувств верующих». Таким же образом сочиняют и всякие анекдотические анимационные истории про городскую или парковую скульптуру. Одна из лучших на эту тему (только не про ночь, а про выходной) — очень смешная пластилиновая короткометражка «Закрыто по понедельникам» («Closed Mondays») американцев Уилла Винтона и Боба Гардинера: про пьяного мужчину, забредшего на выставку; в 1974-м она получила «Оскар».

«Внутренний пейзаж / Пейзажист» («Mindscape / Le paysagiste»)

Режиссер Жак Друэн. Канада, 1976

Другой сюжет, помогающий оживить искусство, — «герой вошел в картину». Об этом тоже очень много фильмов — и смешных, и серьезных. У канадца Жака Друэна, например, есть фильм в очень редкой технике игольчатой анимации Игольчатая анимация — техника анимации, изобретенная в 1931 году российским художником и аниматором Александром Алексеевым. Для нее нужен экран с тысячами дырочек и металлическими иглами в каждой из них: неравномерно утопленные в экран, иголки образуют тени разной длины — на камере это дает все оттенки от белого до черного., где он не отсылает к знаменитым произведениям, а показывает работу воображения художника, его «внутренний пейзаж».

«Минотавромахия: Пабло в лабиринте» («Minotauromaquia: Pablo en el laberinto»)

Режиссер Хуан Пабло Этчеверри. Испания, 2004

Сюжеты о художниках всегда полны их произведений. В этом любопытном испанском кукольном фильме тоже показан «внутренний пейзаж» художника, но тут уже речь идет не о выдуманном герое, а о Пикассо, путешествующем в лабиринте своей фантазии среди собственных созданий, которые преследуют его и спасают. Здесь интересно наблюдать за тем, как его условные кубистские живописные персонажи становятся объемными. Кстати, имейте в виду, что фильм очень напряженный и в нем есть страшные сцены.

«Братья Медвежье Сердце» («Vennad karusüdamed»)

Режиссер Рихо Унт. Эстония, 2005

Оказывается, медвежат в картине «Утро в сосновом лесу» нарисовала их мама-медведица, а убивший ее охотник Шишкин приписал все лавры себе. Жизнь подросших медвежат — Винсента, Анри и Огюста — тоже будет связана с искусством. Очень смешной кукольный мультфильм знаменитого эстонского режиссера идет с английскими субтитрами, но понятен и без знания языка.

«Вся творческая работа — это заимствование» («All Creative Work Is Derivative»)

Режиссер Нина Пэйли. США, 2010

Замечательный американский независимый режиссер Нина Пэйли сняла этот короткий фильм по заказу организации QuestionCopyright.org, которая выступает за реформу авторского права. Иллюстрируя мысль о том, что любое творчество пользуется тем, что уже существовало, Нина сочинила танец скульптур, которые она сама сфотографировала в нью-йоркском музее Метрополитен, никак не меняя. Получилось очень обаятельно.

«25-е, первый день»

Режиссеры Юрий Норштейн, Аркадий Тюрин. СССР, 1968

Часто в мультфильмах сюжеты, сильно связанные с конкретным временем, развиваются в визуальной среде, опирающейся на иконографию этого времени, и здесь нельзя не вспомнить дебют Юрия Норштейна с фильмом «25-е, первый день» (совместная работа с Аркадием Тюриным) — картину о русской революции, строящуюся на искусстве начала первых революционных лет — живописи и графике Лентулова, Альтмана, Петрова-Водкина. С лентой Норштейна рифмуется и снятый через 45 лет, но очень интонационно близкий фильм канадца Теодора Ушева «Глория Виктория» («Gloria Victoria»), в котором изображение войны опирается на образы искусства ХХ века. Разумеется, это касается не только войны. Например, есть прелестный мультфильм «Мадемуазель Кики c Монпарнаса» («Mademoiselle Kiki et les Montparnos»), снятый молодой француженкой Амели Арро о богемно-артистической жизни Парижа 20-х годов прошлого века, естественно строящийся на живописи и графике художников, о которых идет речь.

«Стеклянная гармоника»

Режиссер Андрей Хржановский. СССР, 1968

В российской анимации с искусством работали много, и прежде всего этим знаменит Андрей Хржановский. В работе над его фильмами были заняты крупные художники того времени, которые сегодня считаются классиками: Владимир Янкилевский, Юло Соостер, Юрий Нолев-Соболев. Кроме того, Хржановского интересовали «дилетантские» рисунки гениев: у него есть трилогия по рисункам Пушкина, сложившаяся в полнометражную картину «Любимое мое время», короткометражка по рисункам Феллини «Долгое путешествие», а для фильма «Полторы комнаты» он оживлял рисунки Бродского. Знаменитая «Стеклянная гармоника» Хржановского, противопоставляющая искусство и власть, вся построена на классических произведениях: от прекрасных портретов эпохи Возрождения в сценах гармонии до средневековых уродцев в соединении с Магриттом в эпизодах, где искусство из города изгнано.

«Миро» («Miro»)

Режиссер Алексей Будовский. США, 2004

Единственный мультфильм в этой подборке, сделанный непосредственно для детей: родившийся в Петербурге, а теперь живущий в Колумбии режиссер снял эту картину для сериала «Classical Baby» на американском телеканале HBO. Отличный пример того, как малышам можно показывать абстрактное искусство.

«Башня Бохер» («Tower Bawher»)

Режиссер Теодор Ушев. Канада, 2006

Этот фильм с рифмующимся названием «Tower Bawher» канадский режиссер посвятил строительству памятника коммунистической утопии — башни Татлина. Кино основано на конструктивистских работах художников революционных лет — Татлина, Родченко, Эль Лисицкого, Поповой. Сюжета в нем нет, фильм абстрактный, но благодаря музыке Георгия Свиридова он завораживает своим мощным напором.

«Черный квадрат»

Режиссер Дмитрий Высоцкий, художник Андрей Сикорский. Россия, 2014

Играет с искусством и заказная анимация: не так давно для петербургского музея современного искусства «Эрарта» Дмитрий Высоцкий и Андрей Сикорский сняли юмористический сериал «Черный квадрат», в котором картина Малевича убегает из музея к искусствоведу по фамилии Круглов — и дальнейшие их приключения тоже происходят в окружении искусства, и не только авангардного.

«Пожиратель картин» («Dripped»)

Режиссер Лео Веррье. Франция, 2011

Французский фильм — посвящение Джексону Поллоку рассказывает о человеке, который так любил искусство, что ел его. Воровал картины из музеев и съедал, при этом становясь на время похожим на съеденное произведение. А от собственных, плохих картин его тошнило. И тут оказалось, что с помощью техники рисования Поллока, «дриппинга», то есть разбрызгивания краски, можно создать прекрасные — очень вкусные — полотна.

«Луни Тюнз: Снова в деле» («Looney Tunes: Back in Action»)

Режиссер Джо Данте. США, Германия, 2003

В полнометражной американской комедии, соединяющей игровые сцены с анимацией, среди живых персонажей действуют кролик Багз Банни и утка Даффи Дак из сериала «Луни Тюнз». В этом фрагменте фильма — их приключения в Париже: герои попадают в Лувр и там, перепрыгивая из картины в картину, убегают от еще одного персонажа «Луни Тюнз» — Элмера Фадда с ружьем.

«Таймкод да Винчи» («Der Da Vinci Timecode»)

Режиссер Гиль Алькабец. Германия, 2009

Этот фильм режиссера из Германии строится на «Тайной вечере» Леонардо да Винчи, причем совершенно удивительным образом. В фильме нет ничего, кроме этой картины, и Алькабец ничего в ней не менял. Он только смонтировал ее фрагменты и озвучил так, что получается, будто бы люди сидят за столом, едят и разговаривают. Только в конце: «Тсс!» — и все замолчали. Этот фильм демонстрирует, что жизнь и движение уже заключены в самой картине, ничего не надо оживлять. Ну а ироническое название, как мы понимаем, отсылает к модной некогда книге Дэна Брауна «Код да Винчи».

«70 Million»

Режиссер Давид Фремон. Франция, 2006

В клипе франко-американской группы Hold Your Horses! больше, конечно, живого исполнения, чем анимации, зато музыканты очень обаятельно валяют дурака, играя в знаменитую живопись. Кстати, для тех, кто не может узнать все картины, но очень этого хочет, есть отдельное видео, сопоставляющее кадры из клипа с первоисточниками.

Вообще, на основе классических произведений снято множество клипов; кажется, особенно любят соединять музыку с абстрактным искусством геометрических форм вроде Кандинского, которое хорошо разнимается на детали, а потом складывается обратно, как конструктор. Интернет полон таких этюдов. В последнее время с появлением новых возможностей — виртуальной реальности и кругового обзора, который поначалу использовали только в компьютерных играх, — с этими приемами стала играть и авторская анимация. Этюдов с виртуальным путешествием внутри картин становится всё больше. Так, можно прогуляться по страшноватым пейзажам Дали (не забудьте рассмотреть, что находится вокруг, двигая курсор), или «войти» в картины Ван Гога — перед премьерой полнометражного анимационного фильма «С любовью, Винсент» их появилось особенно много.

Бонус для родителей

«Критик» («The Critic»)

Режиссер Эрнест Пинтофф. США, 1963

Ну и напоследок для родителей — очень смешной фильм «Критик», получивший «Оскар» в 1964 году, сатира на абстрактную анимацию и главным образом на фильмы великого экспериментатора Нормана Макларена. Тут движение геометрических фигур на экране сопровождается громким комментарием зрителя, который пытается понять, что всё это значит, а прочая публика возмущенно на него шикает. Озвучивает мультфильм любимый американцами Мэл Брукс — режиссер комедий и кинопародий.

От Дали до Мураками: как художники делают моду

Мода – это, безусловно, искусство, но может ли платье стать арт-объектом, если руку к его созданию приложил художник? На волне популярности коллабораций вспоминаем совместные проекты модельеров и художников, от самых первых до недавних.

Эльза Скиапарелли и Сальвадор Дали

Слева – платье «Омар» с принтом, нарисованным Сальвадором Дали, справа – «Шляпа-туфля», разработанная по эскизу Гала Дали, 1937 год.

Уроженка Рима Эльза Скиапарелли большую часть жизни прожила в Париже и в буквальном смысле перевернула мир моды. Она первой из всех парижских кутюрье стала использовать застежку-молнию для своих нарядов, делала свитера по мотивам африканских узоров и матросских татуировок и придумала понятие «прет-а-порте». Любовь к эпатажу была заложена в Эльзе природой, поэтому когда она познакомилась с Сальвадором Дали, они мгновенно узнали друг в друге родственные души. Сюрреалист вдохновил модельера Скиапарелли на создание ее самых известных работ, в том числе платья «Омар» 1937 года. На подоле белого шелкового платья с глубоким вырезом был изображен гигантский красный омар, которого нарисовал Дали. Образ существа отсылал к знаменитому «Телефону-омару» (другое название – «Телефон-афродизиак»), придуманному художником двумя годами ранее для еженедельного нью-йоркского издания American Weekly. Не менее знаменитым и впечатляющим предметом коллекции Скиапарелли стала сюрреалистическая «Шляпа-туфля», которую придумала жена Дали Гала. Она вошла в коллекцию Скиапарелли осень-зима 1937-38 годов.

Ив Сен-Лоран и Пит Мондриан

Коллекция Ива Сен-Лорана «Осень Мондриана», 1965 год.

Еще один художник, чье творчество легло в основу первых коллабораций модных брендов с художниками и дизайнерами – голландский живописец Пит Мондриан, который одновременно с Кандинским и Малевичем положил начало абстрактной живописи. В 1930-е года дизайнер Hermès Лола Прусак вдохновлялась знаменитыми работами художника – с черными линиями на белом фоне и разноцветными цветными квадратами, – работая над коллекцией сумок с вставками из красной, желтой и синей кожи. Но самый большой вклад в развитие моды живописец внес уже после своей смерти в 1944, когда в 1965 году Ив Сен-Лоран представил свою коллекцию «Осень Мондриана». Хотя модные дизайнеры и раньше экспериментировали с абстрактными узорами Мондриана, шесть коктейльных платьев из коллекции Ив Сен-Лорана произвели настоящий фурор.

Александр МакКуин и Дэмьен Хёрст

Александр МакКуин и Дэмьен Хёрст, 2013 год.

Сотрудничество Александра МакКуина и Дэмьена Хёрста можно считать во всех смыслах удачным: проект одинаково высоко оценили и в мире моды, и в мире искусства. Два мрачных гения сошлись в 2013 году для работы над коллекцией из тридцати шифоновых платков. Коллаборация была приурочена к десятилетнему юбилею культового мотива Alexander McQueen – черепа, который впервые появился в коллекции модного бренда весна-лето 2003. Хёрст тоже использует черепа в своих работах: в 2007 году он сделал копию человеческого черепа, инкрустированную бриллиантами. Рисунок черепа на платках складывается в калейдоскопический узор, где роль ярких геометрических форм играют самые разные насекомые: бабочки, пауки и разноцветные жуки. Узоры насекомых взяли из серии работ Хёрста, которая называется «Энтомология».

Louis Vuitton и Такаси Мураками

Louis Vuitton и Такаси Мураками, 2003-2015 года.

«Японский Уорхол» начал сотрудничество с Louis Vuitton благодаря Марку Джейкобсу, арт-директору Модного Дома и большому поклоннику современного искусства. Мураками проработал с брендом рекордное для обеих сфер количество времени: с 2003 по 2015 годы. Продолжительная коллаборация заложила основы активного взаимодействия двух миров, ранее пересекавшихся только от случая к случаю. Мураками обновил дизайн бренда и придумал заново монограмму LV, разукрасив ее в яркие цвета. Новые логотипы украсили коллекцию выпущенных брендом сумок и кошельков. Этот проект мгновенно превратил Мураками в апологета идеи искусства как коммерческого бренда, но художник на нем не остановился. В 2007 году он выставил в Музее современного искусства в Лос-Анджелесе лично спроектированный бутик Louis Vuitton – мода и искусство стали едиными.

H&M и Алекс Кац

Совместная коллекция шведского бренда H&M и американского художника Алекса Каца, 2017 год.

Совместную коллекцию с одним из самых дорогих современных художников шведский гигант H&M анонсировал осенью позапрошлого года. 89-летний американец, трансформирующий в своей живописи традиции поп-арта и «нового реализма», пришел в восторг от этого сотрудничества. Наконец-то, его работы из лучших музеев и частных собраний мира стали доступны широкой аудитории. Неестественно яркие ландшафты и спокойные портреты кисти художника украсили платья, толстовки, топы, сумки и тарелки. К сожалению, купить все это можно было только в американских магазинах марки.

что это и чем полезна техника правополушарного рисования

Если вы в поиске интересного хобби, попробуйте правополушарную живопись. Ведь рисовать может каждый, независимо от природного таланта и художественного образования. И наука это подтверждает.

Что такое правополушарное рисование

Лауреат Нобелевской премии Роджер Сперри считал, что полушария головного мозга имеют «функциональную специализацию». Левое отвечает за математические вычисления, логику. У большинства взрослых оно доминирует, так как в обществе принято полагаться на разум, а не на чувства. Правое полушарие — образное, творческое, отвечает за восприятие цвета, сопоставление размеров и перспективы предметов.

Теория доктора Сперри легла в основу метода правополушарного рисования, который в конце 1970-х годов разработала преподавательница искусства, доктор наук Бетти Эдвардс. Работу левого полушария она назвала «Л-режимом», а правого — «П-режимом».

Правополушарное рисование — это художественное творчество в «П-режиме». Это когда правое полушарие головного мозга получает главенствующую роль, а активность левого намеренно подавляется.

Как работает методика правополушарного рисования

Помните, почему герой, ведущий повествование в «Маленьком принце», отказался от «блестящей карьеры художника»? Верно — взрослые приняли его удава, проглотившего слона, за шляпу.

Мышление детей нешаблонно, потому что их знания и опыт невелики. Левое полушарие мозга пока что не доминирует — нет привычки «думать рационально».

А теперь представьте, что вам нужно нарисовать дом. Как только вы об этом подумаете, левое полушарие тут же превратит дом в квадрат (здание), треугольник (крыша) и цилиндр (труба). В результате вместо цельного образа на листе получится набор геометрических фигур, из которых состоит жилище. Но если включить правое полушарие, рисунок выйдет более детальным и живым.

Отсутствие анализа позволяет расслабиться и наслаждаться процессом правополушарного рисования. Главное — преодолеть страх «нарисовать непохоже»

В чём польза правополушарного рисования

Развитие когнитивных функций. Любое рисование, в том числе правополушарное, улучшает восприятие, зрительную память и мелкую моторику.
Развитие воображения. Рисование правым полушарием снимает барьеры, отпускает фантазию в полёт, отвлекает от рутины и помогает взглянуть на вещи с другого ракурса.
Повышение самооценки. Живопись — это диалог внутреннего «Я» с миром. Рисуя, человек демонстрируют свой внутренний мир, а получая положительные отклики на произведения, обретает уверенность в себе.
Расслабление. Правополушарное рисование — прекрасное хобби как для взрослых, так и для детей. Когда на белом листе «оживает» созданный тобой мир, тревоги и проблемы улетучиваются.

<<Форма демодоступа>>

Как научиться рисовать правым полушарием мозга

Правополушарное рисование сейчас популярно: проводятся тренинги и мастер-классы, существуют даже специальные творческие центры, обучающие этой методике.

Но первые шаги можно делать и самостоятельно. Запустить «П-режим» помогут следующие простые упражнения правостороннего рисования.

Оптическая иллюзия

Распечатайте и разрежьте изображение пополам. Правшам нужно взять левую часть, а левшам — правую.

Положите картинку на чистый лист бумаги и попробуйте продолжить очертания профиля. При этом мысленно или вслух проговаривайте названия частей лица: лоб, нос, губы, подбородок.

Если вы нарисовали профиль, не обращая внимания на симметрию, возобладала логика. Попробуйте ещё раз. Когда получится абстрагироваться от слов и нарисовать просто линии, значит, включилось правое полушарие.

Вверх ногами

Выберите любой рисунок, где есть только контуры, как в детской раскраске. Переверните изображение и перерисуйте его вверх ногами последовательно — линию за линией. Отнестись к рисованию правым полушарием, как к собиранию пазла.

Старайтесь копировать линии, как есть. Не стоит сначала переносить общий контур, а потом прорисовывать мелкие детали. Для удобства можно прикрыть часть изображения рукой или другим листом бумаги.

Постепенно придёт осознание, что каждая линия — это лишь часть единой картины, и правополушарное рисование начнёт получаться.

Видоискатель

Возьмите рамку с прозрачным пластиком или стеклом. Это будет ваш «видоискатель». Нацельтесь им на какой-нибудь объект, например, свою ладонь.

Примите удобную позу, чтобы рука под «видоискателем» не тряслась. Перманентным маркером, прямо по стеклу, обведите контур и все линии ладони.

Затем перенесите изображения со стекла на бумагу — строго по линиям, как в предыдущем упражнении техники правополушарного рисования.

Резюме

Правополушарная живопись поможет вам развить творческие способности, умение мыслить нешаблонно и находить неожиданные решения не только в вопросах, которые касаются рисования. Метод рисования правым полушарием позволит вам также увеличить мозговую активность в пять раз, а это очень пригодится в освоении нового материала в учёбе.

Трудно быть гением: 13 фильмов о художниках — Что посмотреть

Гениальность так часто соседствует с неспокойным характером и пылким нравом, что жизнь практически каждого великого художника так и просится на экран.

Мы собрали несколько фильмов, в которых любят и ненавидят, радуются и страдают, взлетают к вершинам славы и падают на самое дно, — и все это богатство жизни проникает в эскизы, художественные полотна, скульптуры.

Последний Вермеер

The Last Vermeer, 2019

Imperative Entertainment

История о крайне интересной личности в истории искусства. После окончания Второй мировой войны на территории Европы начинается поиск граждан, которые во время оккупации сотрудничали с нацистами. В числе прочих суд и расстрел грозит некоему Хану ван Мегерену, которого обвиняют в том, что он продал немцам историческое и культурное достояние Нидерландов — картину Яна Вермеера. Мегерен не очень хочет говорить, как все обстояло на самом деле, но жизнь дороже.

Работа без авторства

Werk ohne Autor, 2019

Sony Pictures Classics

Мальчик Курт потерял любимую тетю Элизабет в годы нацизма в Германии, где для таких, как она, не оказалось места. Красивая, но немного неадекватная девушка была уничтожена в газовой камере. После войны ставший художником Курт влюбляется в Элли, чей отец-врач был причастен к гибели тети. Молодой человек не знает о его прошлом, но безжалостный характер этого страшного человека оказывает влияние и на родную семью. Лишь внутреннее чутье художника нечаянно подсказывает Курту истину, которой он сам не осознает, а правда выливается в его картины.

Шедевр

My Masterpiece, 2018

Arco Libre

Пронырливый арт-дилер Артуро уже много лет сотрудничает с художником-мизантропом Ренцо. Но работы мастера в последнее время не пользуются популярностью, так что Артуро пытается придумать, как взбодрить спрос. Например, известно, что после смерти художника его картины возрастают в цене.

Микеланджело. Бесконечность

Michelangelo — Infinito, 2018

Magnitudo

Биографический арт-фильм о жизни и творчестве итальянского гения эпохи Возрождения Микеланджело Буонарроти. Более всего художник известен скульптурой Давида и росписью потолка Сикстинской капеллы в Ватикане, в том числе одним из главных мемов всех времен и народов — фреской «Сотворение Адама».

Секс мода диско

Antonio Lopez 1970: Sex Fashion & Disco, 2017

Summitridge Pictures

Документальный фильм о жизни одного из самых влиятельных художников-иллюстраторов 70-х. Антонио Лопес, работавший с модными журналами Парижа и Нью-Йорка, стал невероятно популярным, но и сегодня его прошлое полно тайн и загадок.

Большие глаза

Big Eyes, 2014

Silverwood Films

У больших художников жизнь редко складывается гладко. Даже Маргарет Кин, прославившаяся картинами детей и женщин с преувеличенно большими глазами, имеет за плечами довольно тяжелую биографию — долгое время она не имела прав на собственные картины.

Поллок

Pollock, 2000

Brant-Allen

В 1941 году художница Ли Краснер открывает для себя творчество пьяницы Джексона Поллока. Она бросает свою карьеру и увозит художника из шумного, тесного Нью-Йорка в тихое место, где на некоторое время ему удается сосредоточиться на работе и создать гениальные абстракционистские картины.

Фрида

Frida, 2002

Miramax Films

Биографическая драма рассказывает о замечательной мексиканской художнице Фриде Кало, чья жизнь стала для людей примером стойкости и жизнелюбия. Она стала одной из первых, кто сумел свое внутреннее ощущение жизни, повседневные события, печали и радости перенести в картины. А смелой женщине было о чем рассказать.

Роден

Rodin, 2017

Canal+ [fr]

История запутанных отношений скульптора Родена с его ученицей Камиллой Клодель и служанкой Розой Бёре, матерью его единственного ребенка. Ну и между делом — о творчестве: как в мастерской, наполненной великолепными скульптурами, рождается новое изваяние. Все — от момента зарождения идеи, через бесформенный материал к первым линиям и законченному произведению искусства.

Дикарь

Gauguin — Voyage de Tahiti, 2017

Canal+ [fr]

У французского художника Поля Гогена проблемы с вдохновением, потому что быт и повседневность задавили. Его гениальные картины никто не покупает, а у него пятеро детей. Он уверен, что на Таити и жить проще, и вдохновение накатит сразу же. Проверка на практике показывает, что вдохновение и впрямь не заставит себя ждать, а вот жить ни капельки не проще. И как обычно, и в том, и в другом виновата женщина.

Винсент и Тео

Vincent & Theo, 1990

Arena Films

Ван Гог занимался живописью всего 10 лет, но за это время он успел создать около 800 картин. Все, что для этого требуется — отдать всего себя без остатка своему искусству.

Вермеер Тима

Tim’s Vermeer, 2013

High Delft Pictures

Документальный фильм, где изобретатель из Техаса Тим Дженсон ездит по Голландии в поисках секрета — как нидерландскому художнику XVII века Яну Вермееру удавалось придать удивительное свечение своим картинам. В чем секрет мастера?

Андрей Рублев

1966

Мосфильм

Великий живописец, воспевающий свет и добро, появился на свет в те времена, когда отношения между людьми делали Землю больше похожей на филиал Ада: Русь XV века в княжеских междоусобицах, набегах кочевников, в голоде и болезнях. Чтобы среди этого всего найти в себе любовь к человеку, нужно пройти серьезный путь личностного становления.

26 февраля 2021

Нашли ошибку? Выделите фрагмент и нажмите Ctrl+Enter.

jAc Black Beret 100% Wool French Parisian Hat в магазине женской одежды Amazon

Цена:

12 долларов.99 $ 12,99 + $ 30,44 перевозки

Депозит без импортных сборов и 14 долларов США.48 Доставка в РФ Подробности Доступно по более низкой цене у других продавцов, которые могут не предлагать бесплатную доставку Prime.
100% ШЕРСТЬ
Черный шерстяной берет
Подходит для большинства
Изготовлен из 100% шерсти.
Меры 11 дюймов поперек
Делает отличный подарок
Как называются шляпы художников
Интересует, как называются шляпы художников? На этой странице мы собрали для вас ссылки, по которым вы получите самую необходимую информацию о том, как называются шляпы художников.

Список стилей шляп — Википедия
https://en.wikipedia.org/wiki/List_of_hat_styles
Также известна как бобровая шляпа, шляпа фокусника или, в случае самых высоких примеров, шляпа дымохода (или трубка). Высокая цилиндрическая шляпа с плоской короной, которую носили мужчины в 19-м и начале 20-го веков, теперь носят только с утренним или вечерним платьем.

Берет — Википедия
https: // en.wikipedia.org/wiki/Beret
Берет является частью давнего стереотипа об интеллектуале, кинорежиссере, художнике, «хипстере», поэте, богеме и битнике. Художник Рембрандт и композитор Рихард Вагнер, среди прочих, носили береты. В США и Великобритании в середине 20-го века произошел взрыв беретов в женской моде.

Мужские шляпы: федоры, пирожки и дерби Искусство …
https: //www.artofmanliness.com / article /pting-back-the-hat /
1 марта 2008 г. · Ношение шляпы. Поднимите шляпу — углы — это отношения. ~ Фрэнк Синатра. Шляпы могут дать вам ощущение непринужденной крутости и мужественной уверенности. Мало кто любил шляпы больше или носил их лучше, чем Фрэнк Синатра. Он постоянно играл с идеей ловить рыбу и наклонять шляпу…

Типы французских шляп Наша повседневная жизнь
https://oureverydaylife.com/types-of-french-hats-12080972.html
29 сентября 2017 г. · Французские шляпы подходят как для повседневной носки, так и для более изысканных случаев. Классический берет, часто ассоциируемый с художниками, писателями и представителями богемы, первоначально носился как жест восстания против статус-кво. Береты вернулись в моду как среди французских женщин, так и среди мужчин. Кроме того, для мужчин появились скромные шапочки и бейсболки …

8 всемирно известных исторических шляп Mental Floss
https: // www.mentalfloss.com/article/87101/8-world-famous-historical-hats
6 октября 2016 г. · Шляпы на протяжении всей истории использовались для передачи смысла — будь то символ статуса, политическое заявление или просто стиль одежды. . Сила хорошей шляпы такова, что некоторые стили …

Как называются французские шляпы? — Reference.com
https://www.reference.com/world-view/french-hats-called-60d4a32822afbba5
13 апреля 2020 г. · Французскую шляпу обычно называют беретом.Этот тип шляпы является круглым и плоским и обычно изготавливается из очень мягкого материала, такого как хлопок, шерсть ручной вязки, войлок или даже акриловые волокна. Французский берет хорошо известен как военный символ Франции и Испании. Солдаты носили эти шляпы как часть своей военной формы, а …

Шестнадцать глупых шляп, которые музыканты любят носить музыкальный блог
https://www.riverfronttimes.com/musicblog/2014/07/23/sixteen-stupid-hats-musICAL-love-wearing
23 июля 2014 г. · Ее также ласково называют «шляпой толстого парня». потому что он почему-то хорошо смотрится на толстых парнях.Эту шляпу также часто носят поклонники кельтского панка, музыкального жанра, который должен …
Мы надеемся, что вы нашли всю необходимую информацию о том, как называются шляпы художников, по ссылкам выше.
Что носят французские художники? — SidmartinBio
Что носят французские художники?
береты
Берет (Великобритания: / ˈbɛreɪ / BERR-ay или США: / bəˈreɪ / bə-RAY; французский: [beʁɛ]) — это мягкая круглая шапка с плоской короной, обычно из тканой шерсти ручной вязки, связанный крючком хлопок, шерстяной войлок или акриловое волокно.Массовое производство беретов началось во Франции и Испании 19 века, и берет до сих пор ассоциируется с этими странами.
Что одевают художники, когда рисуют?
Накройте фартуком или халатом для рисования. Убедитесь, что он сделан из достаточно толстого материала, чтобы ваш носитель не пропитался быстро. Избегайте работы в одежде, которую вы не хотите испортить. Даже при уходе и ношении фартука вы все равно можете получить странные брызги краски то здесь, то там.
Какие шляпы носит этот художник?
Французскую шляпу принято называть беретом.Этот тип шляпы является круглым и плоским и обычно изготавливается из очень мягкого материала, такого как хлопок, шерсть ручной вязки, войлок или даже акриловые волокна. Французский берет хорошо известен как военный символ Франции и Испании. Можно также спросить, а почему художники носят береты?
Что такое шляпа художника?
Эти шляпы сделаны из двух основных кусков ткани (круглая верхняя часть и оберточная полоса), на которые можно наносить печать от края до края с большими рисунками с полным покрытием. Очень популярен в клубах классических автомобилей и мотоциклов.
Почему художники носят черное?
Черная одежда в начале позволяет художнику выскользнуть из тени по своей прихоти, как бэтмен, при этом смягчая свою тревогу.
Это оскорбительно носить берет?
Носить эти береты неуважительно, потому что они считаются отличительной униформой, которую вы должны ЗАРАБОТАТЬ, чтобы носить.
В чем разница между тампоном и беретом?
Традиционно берет носили с наклоном набок, а тампон садился прямо на голову.
Почему повара носят шляпы?
Поварские шляпы подчеркивают высокий стаж работы на кухне, создавая атмосферу респектабельности и учитывая практические соображения безопасности. Шляпа повара — одна из самых узнаваемых в мире головных уборов, которую можно найти на кухнях в любой стране.
Какие произведения французского искусства самые известные?
Его реди-мейды, созданные для противодействия «искусству сетчатки», потрясли мир искусства. Его самый известный реди-мейд — фарфоровый писсуар Fountain, подписанный «R.Матт ». Заброшенный в то время, он теперь считается главной достопримечательностью искусства 20-го века.
Как называются шляпы французских художников?
Береты бывают нескольких размеров; Типичный «берет художника» очень большой и гибкий. Более распространенная версия меньше. А военный берет или «монти-берет» еще меньше.
Какой макияж носит француженка?
Тем не менее, она настаивает, что именно то, как вы носите малиновый или алый оттенок, делает его полностью французским.«Красная помада — модный аксессуар. Так что мы не будем использовать с ним никакой другой макияж. Тогда наши волосы должны быть растрепаны, наша кожа должна быть идеальной, и мы просто будем носить джинсы и каблуки, потому что помада делает заявление ».
Что Французская революция сделала с искусством?
Французская революция и наполеоновские войны внесли большие изменения в искусство Франции. Программа возвышения и мифотворчества императора Франции Наполеона I была тщательно скоординирована в картинах Давида, Гро и Герена.

Что вы, вероятно, не знали о французском берете
Зоро Меттини рисует в берете | © Wikimedia Commons
Французский берет стал иконой французской моды (и лондонской тоже), но это гораздо больше, чем просто шикарный плоский кружок из валяной шерсти. Читайте дальше, чтобы открыть для себя множество увлекательных секретов, которые зашиты в его священное прошлое.
Удивительно, но вместо французов, претендующих на всю заслугу в изобретении берета, люди склонны ссылаться на Ноя (из Библии) с самыми ранними идеями.Легенда гласит, что, когда Ной покачивался на ковчеге со всеми своими животными и промок, он заметил, что растоптанная шерсть на полу в загоне для овец превратилась в нечто, что мы теперь называем войлоком. Судя по всему, он вырезал круг, надел его на голову, чтобы волосы оставались сухими, и родился первый берет.
Ноев ковчег | © Wikimedia Commons
Совершив прыжок в более современное время, заслуга пастухов XVII века из французских регионов Беарн, Басков и Французских Пиренеев за популяризацию этого головного убора.Наблюдая за тем, как шерсть поддерживает овец при оптимальной температуре как в тепле, так и зимой, они решили сами пожинать плоды, набив обувь, чтобы ноги оставались в тепле. Сила хождения по шерсти в течение всего дня, благодаря влажности влажной земли и потным ногам, заставляла волокна слипаться и давала технику сжатия, используемую при производстве войлока. Однако их таланты заключались не в изготовлении шляп, особенно учитывая зловоние, связанное с их методом сжатия ступней, где ценители моды взяли верх.
Стадо овец | © Pixabay
В историческом промежутке между пастухами, носящими береты в качестве защиты, и до того, как они попали на сцену моды, они были приняты парижскими художниками Левобережья как часть своего культового стиля. С середины 1800-х до начала 1900-х годов этот аксессуар стал основой художественного стиля таких художников, как Моне, Сезанн, Мари Лорансен, Пикассо и многих других. В то время как некоторые люди говорят, что это потому, что они стремились подражать великим мастерам эпохи Возрождения, таким как Рембрандт, другие говорят, что это более вероятно из-за того простого факта, что большинство художников в эту эпоху были бедны и им нужно было согреть голову, когда они не могли ». т платить за аренду.
Картина Зоро Меттини в берете | © Wikimedia Commons
Альпийские егеря (альпийские охотники) — элитная горная пехота французской армии, обученная действовать в самых сложных и опасных горных ландшафтах, и с тех пор гибкий французский берет с гордостью выставлялся напоказ как часть их официальной формы. 1889 г. Интересный факт, почему берет был принят в качестве официального военного головного убора во многих странах, восходит к Первой мировой войне. Британский генерал, возглавлявший недавно сформированный танковый полк, решил, что эти французские шляпы могут быть чудесным ответом на одну из его самых больших проблем: солдаты, пролезающие через небольшой люк танков, обычно сбивают свои шляпы.Но уже не после того, как был введен берет.
Егеря Альпинисты | © Wikimedia Commons
Берет превратился в символ французского сопротивления в борьбе против нацистской немецкой оккупации Франции и коллаборационистского режима Виши во время Второй мировой войны. Пугающий пример того, насколько символичным стала эта шляпа, был представлен, когда помощник Джозеф Бартелет рассказал британскому агенту SOE Джорджу Миллеру о том, как немецкая военная полиция маршировала в Feldgendarmerie в Меце с группой французов, один из которых был другом.Бартелт вспоминал: «Я узнал его только по шляпе. Только по его шляпе, говорю вам, и потому что я ждал на обочине дороги, чтобы увидеть, как он пройдет. Я хорошо видел его лицо, но на нем не было кожи, и он не мог меня видеть. Оба его бедных глаза были закрыты двумя лилово-желтыми синяками.
Берет | © Wikimedia Commons
Учитывая, что история берета восходит к альпийским пастухам, вероятно, неудивительно узнать, что традиционно берет был мужской шляпой.Переход к женщинам, носящим эту шляпу, начался еще в 1800-х годах, но главная заслуга принадлежит Коко Шанель в 1930-х годах. Эта королева моды прославилась тем, что брала удобную мужскую одежду и приспосабливала ее к женской, вдохновляя множество кинозвезд, таких как Грета Гарбо и Брижит Бардо, выставлять ее напоказ в фильмах и побуждать других женщин придерживаться этой тенденции. С тех пор берет остается культовым модным аксессуаром.
Дмитрий Павлович и Коко Шанель | © Wikimedia Commons
Универсального правила его ношения не существует, что делает его одним из самых универсальных модных аксессуаров в мире.В то время как джентльмены старшего возраста, как правило, носят его квадратной формы на голове, выступая вперед, модницы имеют безграничную свободу: они могут укладывать и переставлять свои косички, хвостики, бахрому и боковые хвостики, создавая множество разных образов и сочетая множество разных наряды. Но это не просто лишний аксессуар, потому что он не только водонепроницаем, но и устойчив к ультрафиолетовому излучению.
Берет как бесконечная икона французского стиля | © Pixabay
Арт-объект Страница
На протяжении своей карьеры Ричард Дибенкорн несколько раз переключался между абстрактным и репрезентативным способами, каждый из которых имел решающее значение для его работы.В 1983 году интервьюер заметил Дибенкорну о его «способности двигаться вперед и назад между фигурацией и абстракцией». Такое описание, ответил художник, «звучит так, как будто« я знаю, как это сделать », а это очень далеко от случая». Напротив, он продолжал с «крайним трепетом и большим трудом». 1
Когда художник переходил от одной идиомы к другой, он неизменно искал новую задачу или следующий шаг в формальном развитии своей работы. Например, после того, как Дибенкорн получил признание благодаря картинам Беркли, его блестящей серии абстрактных пейзажей, созданных с 1953 по 1956 год, художник выбрал сюжет фигуры, чтобы предоставить ему новый набор изобразительных задач:
Я перестал доверять своему желанию взорвать картину.… Как будто я мог сделать слишком много слишком легко. Соперничать было не с чем. И внезапно рисунки на рисунках дали многое из этого.
Художник разрабатывал свои зрелые фигуративные работы с 1956 по 1967 год. К концу этого периода Дибенкорн начал сглаживать живописное пространство в своих работах — направление, которое в конечном итоге привело к абстракции в оконных проемах серии Ocean Park. Несмотря на эти сдвиги от представления к абстракции, Дибенкорн продолжал работать с фигурой на протяжении всей своей карьеры, часто используя членов семьи в качестве моделей.
Сидящая фигура в шляпе — одна из последних монументальных фигуративных работ Дибенкорна. Натурщица, жена художника Филлис, кажется сплющенной, неподвижной и анонимной из-за большой шляпы, скрывающей большую часть ее профиля, и сжатого пространства картинной плоскости. Кажется, что она сидит перед абстрактной картиной, на сцене или в конструкции воображения художника, изобилующей юбкой фигуры, падающей на коричневый и синий края обрамления, по-видимому, в пространство зрителя.Узкие цветные полосы на внешних краях холста предвосхищают квазиархитектонические элементы из серии Ocean Park, над которой Дибенкорн начал работать позже в том же году.
Формальная забота Дибенкорна о дискретных областях цвета и упрощенной композиции также является прообразом абстрактного режима, в который он собирался войти. Что касается композиции и изысканности цвета, картина Сидящая фигура в шляпе напоминает знаменитую композицию Уистлера в сером и черном: Портрет матери художника («Мать Уистлера») (1871, Музей Орсе, Париж). хотя натурщик смотрит в противоположную сторону.Композиция Дибенкорна частично заимствована из его родственной акварели Сидящая фигура в шляпе (1967, частное собрание) .3 Хотя большинство работ Дибенкорна на бумаге не оказали прямого влияния на его картины, эта акварель и это масло являются одними из самых близких переводов того же самого. тема. В картине большинство посторонних предметов исключено, за исключением нарисованного стекла в правой руке фигуры. Крашеный, залитый солнцем желтый фон показывает голубой подмалевок, обнаруженный во многих других работах как раньше, так и позже.Хотя желтое поле доминирует в композиции, другие непредставительные качества — нет. Сидящая фигура в шляпе Модель обеспечивает баланс между образными и абстрактными идиомами Дибенкорна, позволяя проявить необычайные сильные стороны каждого из них на одном полотне.
(Текст Молли Донован, опубликовано в каталоге выставки Национальной галереи искусств, Искусство для нации, 2000)
Банкноты 1. Цитируется по Джону Элдерфилду, Рисунки Ричарда Дибенкорна, [exh.кат., Музей современного искусства] (Нью-Йорк, 1988), 28–29.
2. Джеральд Нордланд, Ричард Дибенкорн, (Нью-Йорк, 1987), 88.
3. Джейн Ливингстон, Искусство Ричарда Дибенкорна [exh. кат., Музей американского искусства Уитни] (Нью-Йорк, 1997), рис. 146.
Неужели таинственный художник «Шляпа» на самом деле Эд Ширан?
Воспроизвести видео
Две новые картины занимают почетное место в отеле Oyster Inn, Батли. Они были подарены неуловимым и пока неизвестным художником по имени The Hat.
«Путаница» — одна из частей, подаренных The Oyster Inn в Батли Авторы: ITV Anglia
«Они только что появились», — объясняет работница паба Мэйси Маккарти. «Однажды ночью их оставили в саду. Мы не знаем, когда это произошло. Я заметил шляпу на одной из фотографий, поискал в Google шляпу и нашел сайт художника».
Картины сопровождались написанной от руки запиской с благодарностью пабу за то, что они предоставили бесплатное питание уязвимым людям во время изоляции, и выставили произведения искусства на аукцион, чтобы собрать деньги на благотворительность.
Информационный пункт Батли был оформлен The Hat Кредит: ITV Anglia
Несколько недель спустя, недалеко от паба, информационное табло деревни было украшено политическими произведениями искусства, подаренными таинственным художником деревне.
Личность Шляпы неизвестна, но ходят слухи, что это мог быть Эд Ширан. Певец и автор песен опубликовал в соцсетях фотографии своих творческих усилий, сказав, что с момента окончания тура он провел несколько недель за рисованием.
Некоторые говорят, что певец и автор песен Эд Ширан мог бы быть The Hat Кредит: @teddyspics
Стиль Эда, несомненно, похож на стиль The Hat, и это заставило всех, включая супер-фанатку Мэйси, задуматься.
«Я бы очень хотела, чтобы это был Эд, но у меня такое чувство, что это не так», — говорит она. «Если это он, пожалуйста, приди и выпей пинту. Можешь выпить меня!»
Изделие под названием «Инфекция» было передано в дар местному кафе в Деннингтоне Фото: ITV Anglia
В деревне Деннингтон возле кафе Neathouse было оставлено другое произведение искусства. Владелец Вашти Маунсер был там в то время, но ничего не видел и не слышал.
«Была посылка с запиской на лицевой стороне.Я прочитал записку, а затем открыл ее и нашел внутри «, — говорит Вашти.» Я не думаю, что это имеет значение, кто художник. Я просто думаю, что то, что художник сделал для Саффолка, — действительно хорошее дело ».
Все спрашивают, кто такая шляпа? Фото: ITV Anglia
На их веб-сайте The Hat утверждает, что это 62-летний мужчина, живущий в Суффолк.
Местный эксперт по искусству и галерист Моника Петзал имеет свои собственные теории.
«Я думаю, что есть сходство между картинами« Шляпа »и Эда Ширана», — говорит она.«Но это очень известные и хорошо зарекомендовавшие себя техники. Одна из моих мыслей заключалась в том, что Эд очень дружит с известным художником Дэмианом Херстом и что Дэмиан Херст может быть каким-то образом вовлечен в это».
Эд Ширан опубликовал фотографии своих картин, похожие по стилю на «Шляпу» Автор: @teddyspics
Шляпа также пожертвовала две картины КАЖДОМУ благотворительному магазину во Фрамлингеме.
«Однажды мы пришли на работу, и они были уже на пороге с этой запиской», — объясняет заместитель менеджера Шерил Колгейт.«Я не хотел бы строить догадки, кто этот художник, но мы искали в Интернете. Я думаю, что это просто замечательно, когда кто-то делает что-то подобное для этих благотворительных организаций. Это замечательно».
Это произведение под названием «Беспокойство» было передано КАЖДОМУ благотворительному магазину во Фрамлингеме Кредит: The Hat
The Hat сообщил на своем веб-сайте, что они оставили еще одно произведение искусства в благотворительном магазине в Холте. И на обратной стороне этой картины скрыта их истинная личность. Так что может пройти совсем немного времени, прежде чем мы узнаем, кто на самом деле Шляпа.
Берет никогда не выходит из моды
Опубликовано 27 октября, 2016 Марго Лестц
Французский берет, этот маленький блин в шляпе, стал признанным символом всего французского — по крайней мере, среди тех, кто находится за пределами Франции. Традиционный французский берет — это просто плоская круглая шляпа из валяной шерсти с выступающим сверху небольшим «хвостиком». Но приклейте один из них к чему угодно, и он автоматически станет французским.
Это, безусловно, практичная шляпка.Он теплый, водонепроницаемый, и когда в нем нет необходимости, его можно убрать в карман. Но это гораздо больше, чем просто головной убор. Это заявление и отношение, которое адаптируется к любому личному стилю. Это может объяснить, почему на протяжении многих лет его носили самые разные слои общества. От пастуха до художника, от солдата до кинозвезды берет определил и передал настроение своего владельца.
Ной
Несмотря на то, что берет прочно ассоциируется с Францией, его носили во многих частях света на протяжении всей истории, и французы не утверждают, что они изобрели его.Фактически, они приписывают его изобретение Ною (из Библии). Предположительно, когда он плыл в своем ковчеге под дождем, он заметил, что шерсть на полу в загоне для овец была вытоптана и превратилась в войлок. Вырезал круг, надел на голову, чтобы волосы оставались сухими, и вуаля! Первый берет.
Пастухи
В более современное время именно 17 пастухов ^-го-го века из французских регионов Беарн и Басков ответственны за популяризацию берета во Франции.Они полагали, что, если шерсть поддерживает овец при комфортной температуре на солнце, ветре и дожде, возможно, это может сделать то же самое для них. Говорят, они набивали обувь шерстью, чтобы ноги оставались в тепле и сухости. Они обнаружили, что сжатие при ходьбе по нему и влажность от влажной земли (и вспотевших ног) заставляли волокна слипаться и превращали шерсть в войлок. Эти ранние пастухи делали свои береты из шерсти собственных овец. Но они не были хорошими мастерами по изготовлению шляп, и их головные уборы иногда были вонючими и покрытыми волосами.
Массовое производство
Затем, в начале 1800-х годов, началось массовое производство беретов, и плоские кепки стали более стандартизированными … и лучше пахнущими. Юго-запад Франции уже имел долгую историю производства текстиля, поэтому было вполне естественно, что они начали производить бейсболки, которые были так популярны в этом районе. Первая беретная фабрика начала производство в 1810 году, затем последовали и другие. На ранних фабриках шапки все еще вяжутся вручную, а маленький «хвостик» на верхней части берета представляет собой концы волокон.Когда их начали вязать на машинке, «хвоста» не было, поэтому, конечно, его пришлось добавить — ведь берет «без хвоста» просто не был бы беретом.
Береты рабочие
Благодаря фабрикам беретов было в изобилии, а шапка распространилась повсюду. Когда началась индустриализация, и многие с юго-запада переехали в города на заработки, они взяли с собой свой верный головной убор, а берет стал признан рабочим фуражкой.
Сезанн и Моне в беретах
Береты художественные
Но это было не только для физических лиц.С середины 1800-х до начала 1900-х парижские художники Левобережья использовали берет как часть своего художественного образа. Может быть, они хотели подражать великим художникам эпохи Возрождения, таким как Рембрандт, или, может быть, им просто нужно было согреть голову, когда они не могли платить за аренду. Какой бы ни была причина, такие художники, как Моне, Сезанн, Мари Лорансен, Пикассо и многие другие любили носить и раскрашивать берет. Колпачок теперь неразрывно связан с образом художника.
Береты военные
В 1889 году французские военные приняли большой гибкий берет как часть униформы для своей элитной горной пехоты, названной «Chasseurs Alpins». Во время Первой мировой войны британский генерал, командовавший недавно сформированным танковым полком, видел в этих французских фуражках решение своей проблемы: как люди могли пролезть через небольшой люк танков, не сбивая шляп. Берет был принят в качестве военного головного убора во многих странах.
Брижит Бардо и Грета Гарбо в беретах
Модные береты
Традиционно берет был мужской шляпой, хотя некоторые женщины носили их еще в 1800-х годах. Но большие изменения произошли в 1930-х годах, когда Коко Шанель, которая прославилась тем, что использовала удобную мужскую одежду и адаптировала ее для женщин, сделала берет модным для женщин. Затем такие звезды, как Грета Гарбо и Брижит Бардо, носили их в фильмах, и с тех пор берет остается модным женским аксессуаром.
Это одна выразительная шляпа
Кажется, что этот скромный берет может носить практически любой человек, и его можно придать любому лицу и любому настроению. Вы можете носить его на макушке, наклонив в одну сторону, с полнотой спереди или сзади, или вы даже можете потянуть его прямо вниз, чтобы согреть уши. Ношение берета может отражать ваши деревенские корни, художественное чутье или чувство моды, и оно особенно подходит тем, кто любит проявлять свою индивидуальность.

Головной убор художника 5 букв

Ответы на сканворды и кроссворды

Похожие вопросы в сканвордах

Похожие ответы в сканвордах

Как называется шапка выпускника с кисточкой?

Есть ли название у этой шапочки? Какое?

Откуда она появилась?

Какие бывают шапочки?

Немного о традициях, с ней связанных

15 деталей с картин фламандских художников • Arzamas

1. Нога Икара

2. Крестьяне покупают сувениры

3. Листок с изображением святого Христофора

4. Игрушечная колыбель

5. Витраж в глубине церкви

6. Подъемный кран

7. Симпатичный демон

8. Странные фигурки под потолком

9. Распятый Христос на фоне исламского полумесяца

10. Шумовка в руке Марфы

11. Брюгге вместо Вифлеема

12. Портрет Ирода на бутыли с вином

13. Иосиф мастерит пеленку из чулка

14. Книжка за решеткой

15. Битая плитка

Мультфильмы про искусство • Arzamas

«Мона Лиза, спускающаяся по лестнице» («Mona Lisa Descending a Staircase»)

«Довольно!» («None of That»)

«Внутренний пейзаж / Пейзажист» («Mindscape / Le paysagiste»)

«Минотавромахия: Пабло в лабиринте» («Minotauromaquia: Pablo en el laberinto»)

«Братья Медвежье Сердце» («Vennad karusüdamed»)

«Вся творческая работа — это заимствование» («All Creative Work Is Derivative»)

«25-е, первый день»

«Стеклянная гармоника»

«Миро» («Miro»)

«Башня Бохер» («Tower Bawher»)

«Черный квадрат»

«Пожиратель картин» («Dripped»)

«Луни Тюнз: Снова в деле» («Looney Tunes: Back in Action»)

«Таймкод да Винчи» («Der Da Vinci Timecode»)

«70 Million»

«Критик» («The Critic»)

От Дали до Мураками: как художники делают моду

Эльза Скиапарелли и Сальвадор Дали

Ив Сен-Лоран и Пит Мондриан

Александр МакКуин и Дэмьен Хёрст

Louis Vuitton и Такаси Мураками

H&M и Алекс Кац

что это и чем полезна техника правополушарного рисования

Что такое правополушарное рисование

Как работает методика правополушарного рисования

В чём польза правополушарного рисования

Как научиться рисовать правым полушарием мозга

Оптическая иллюзия

Вверх ногами

Видоискатель

Резюме

Трудно быть гением: 13 фильмов о художниках — Что посмотреть

jAc Black Beret 100% Wool French Parisian Hat в магазине женской одежды Amazon

Как называются шляпы художников

Что носят французские художники? — SidmartinBio

Что носят французские художники?

Что одевают художники, когда рисуют?

Какие шляпы носит этот художник?

Что такое шляпа художника?

Почему художники носят черное?

Это оскорбительно носить берет?

В чем разница между тампоном и беретом?

Почему повара носят шляпы?

Какие произведения французского искусства самые известные?

Как называются шляпы французских художников?

Какой макияж носит француженка?

Что Французская революция сделала с искусством?

Что вы, вероятно, не знали о французском берете

Арт-объект Страница

Неужели таинственный художник «Шляпа» на самом деле Эд Ширан?

Берет никогда не выходит из моды

Добавить комментарий Отменить ответ